この度、Yoshimi Artsは、弊廊にて5回目となる館勝生の展覧会「館勝生 1980s-1990s」を開催する運びとなりました。
コンセプチュアル、ミニマル、ニューペインティングが混在している中で、館勝生は、身体の感覚に一番近いところで出来る絵画を選びました。晩年にあたる2008年まで描き続け、その短い画業の中でも作品は変化していきました。1990年代初めからは、虫と分かるような有機的な存在を用いて描いていますが、それまでの、絵具の色彩と物質感で描いていた抽象絵画とは、それらは一線を画す作品のように思います。
館勝生の実家は養蜂場を営み、館も幼少の頃、花を求めて全国を回るのに同行して、自然の中で四季や朝夕の時間の移り変わりを肌で感じていました。その体験からインスパイアされ、虫を抽象的に描くようになったと聞きます。その後、1990年代中頃の作品になると、虫のようなモチーフが解体されて、絵画の構造が画面全体に立ちあがり、突然出現した球体が宇宙的な空間を作り出します。それが2000年に入ると、激しい生命観を持ったような抽象化された有機体になり、それと共に大きな余白が出現します。その余白が時間を作り出し、時間の中において、浮遊する有機体が激しくも限りある物に見えてきます。また、2006年までの余白部分は淡いパール色で薄く塗られ、少し絵具の物質感がありますが、2007年になると有機体が少し大きくなるのと同時に、余白に絵具を全く塗らなくなっており、時間が流れているようにも、止まっているようにも感じられる空間へと展開しているように思います。
本展は、初期作品にあたる1980年代から一つの達成を得た1990年代までの作品で構成し、2000年代の作品に至るまでの足跡を辿る展示となります。出品作品は、1988年に20代で描いた油彩1点、1995年の阪神・淡路大震災で館勝生のアトリエは甚大な被害を受けた為にあまり作品が残っていない時期にあたる1994年作のドローイング3点と1995年の油彩1点、そして1996年の大作1点の計6点を予定しています。
また、現在、国立国際美術館のコレクション展「コレクション２：つなぐいのち」（2022年5月22日まで開催）では、絶筆作品ともう1点、2008年の2作品が出品されています。併せてご高覧頂ければと思います。

 

＜参考資料＞
空間のビカミング6「瞬時的絵画の生成」
高木修

館勝生の絵画には、何かが停止している瞬間と同時に落下するといったイメージがあるように思えてならない。たとえば、フランシス・ベーコンの絵画「＜法王イノセント10世の肖像＞にもとづく習作」（1953）を想起するだろう。あの垂直に走るストロークは、法王の＜叫び声＞とともに画面に振動を与えており、しかも「＜法王・・・＞・・・」の場合、茶系統の色彩が渇いているとともに、筆のタッチがかすれ、上から外へと響きわたっている。またストロークや色彩を見れば、「二人の人物」（1953）の背景に近いように思える。特に館の作品「unspeakablegift」（1992）などは、その暗褐色の筆勢と相似している。だが館の場合、ベーコンの聳動的絵画に見られる存在のねじれや時間の厚みはなく、むしろ＜停止した時間＞、あるいは、G.バシュラールがいうような＜尺度に従わない時間＞、・・・・・・＜水平的＞に逃げ去ってしまう普通一般の時間と区別するために、特に＜垂直的＞と呼んでみたい時間を絵画の中に見ることができよう。
しかも、館の絵画が新鮮に見えるのは、古いタイプの抽象絵画の＜へばりつくような塗り＞から解放されているためである。日本特有の厚塗りをもって色彩の豊かさを表わすといったアナクロ的な手段とは異なっている。もちろん館自身も、1989年までは絵の具を厚塗りしていた。このことに対して館は≪絵の具の物質面ばかり強くなり、本来のイメージを形容するものである、形態、色彩、それが違うほうへ≫とずれてしまったことについて述懐している。がゆえに、そのような余分な部分を要素をそぎ落としてきた。
そうした、そぎ落としていく作業は、ストローク、マティエール、形態、色彩といった作用子の、どの部分にも比重が置かれることなく画面全体に合一するように等価なレヴェルで扱われている。それゆえ、マティエール主義になることはないのである。むろん、ストロークやマティエール、形態、色彩を含んだ手の＜運動＞の中でこそ―速度、持続、停止、瞬間、生成、消滅などといったものが画面に放射されるのだ。
そして、館のこの絵画を特徴づけているのは、瑞々しい＜官能性の色彩＞ではなかろうか。このことは絵の具が生々しいといったことではないのである。つまり、私がいう＜官能性＞とは、生成する絵画＝瞬間を指している。つまり、バシュラール的に言えば、行為とは、何よりもまず＜瞬間＞における決心というべきものである、ということだ。
館は、≪生成されるイメージをできる限りストレートに画面に定着させるためには、当然短時間に作品を仕上げなければならない≫、≪制作する時間的な経緯が長くなれば、描く瞬間にあるイメージが衰退してしまうのではないかという恐怖心がつねにある≫という。このことは、瞬時的なイメージを即座に画布に定着させたいという欲動にほかならない。つまり、この瞬時的絵画の生成は、≪イメージの生成と手の活動とがあるいは同時に進行する≫（金田晋）のである。逆説的な言い方をするならば、私たちがつねに、思うがままの絵を描くことができないのは、イメージの生成と手の活動がずれをひきおこすからだといえよう。
館の新作絵画には、蛹が羽化する過程にも似かよっている。それもストップモーションのように、残像を残しながら瞬間的に浮き上がって停止しているという状態なのだ。そして図も地も＜より明るく（モア・ブライト）＞、＜より暗く（モア・ダーク）＞が同時に描かれ、ともに垂直に溶解し始める。

＊αMプロジェクト1992-1993 vol.14 館勝生 (gallery αM/東京、1993) より